İzlenimcilik: Renoir'ın henüz kitsch olduğundan şüphelenmediği zamanlar

(Neredeyse) her müzede sergileniyor ve resimleri posterlerde, kupalarda ve çantalarda çoğaltılıyor. Yine de Pierre-Auguste Renoir'ın (1841–1919) itibarı pek iyi değildir. Zorlu bir girişimin ardından kalıcı olarak ünlü oldu ve 78 yaşında nispeten yaşlıydı. Ve Nice yakınlarındaki Cagnes-sur-Mer'deki huzurevindeki bir montaj hattında üretilen, domuz pembesi çıplak dondurma ve tatlı gülümseyen çocuklar, sıkıcı çiçek buketleri ve düz meyve tabaklarıyla son dönem çalışmalarında kendini tam olarak kendi avantajına göre tekrarlamadı.

1985'teki Paris retrospektifinden bu yana ilk kez Musée d'Orsay, erken dönem Renoir'a büyük bir sergi ayırıyor: Londra Ulusal Galerisi ve Boston'daki Güzel Sanatlar Müzesi'nden ödünç alınan 60 sergiden oluşan bir resim kursu ve New York'un Morgan Kütüphanesi'nden alınan, kağıt üzerine yaklaşık 100 eser ve ek resimlerden oluşan paralel bir sergi.

Orsay baş küratörü Paul Perrin'in “Renoir ve Aşk. Mutlu Bir Modernite” başlığıyla sunduğu derleme öncelikle kitlelere yönelik. Ancak amaç aynı zamanda, 1865'ten 1885'e kadar olan yaratıcı dönemde henüz geç zevk sağlayıcısı olmayan Empresyonist hareketin ön saflarında, erken dönem, daha radikal, sosyal açıdan kararlı Renoir'ı göstermektir.

Pierre-Auguste Renoir işçi sınıfından geliyordu ve resim yapmayı küçük yaşlardan itibaren pratik bir zanaat olarak öğrendi; önce porseleni, sonra tenteleri, armaları ve yelpazeleri süslemek için. Hala akademik olarak çalıştı, oldukça karanlık Gustave Courbet'ten etkilendi ve diğer arkadaşları gibi meslektaşlarından daha sık tasvir ettiği Claude Monet ve Alfred Sisley ile arkadaş oldu.

Renoir gördüklerini ve etrafını saran şeyleri resmeden sosyal bir kişiydi; ister sevgilisi Lise Tréhot (1890'da Aline Charigot ile evlendi; daha sonraki film yönetmeni Jean Renoir da dahil olmak üzere üç çocuğu vardı), ona bir portreci olarak değer veren daha iyi toplum ya da Baron Haussmann tarafından radikal bir şekilde yeniden tasarlanan Paris'teki yapısal değişiklikler.

Burada ele alınan onyılların odak noktası aynı zamanda Renoir'ın bir empresyonist olarak olgunluğuydu ve sonuçta nokta ve çizgi tekniğinden daha pürüzsüz, uyumlu bir klasisizme dönüşmüştü. Bu sergi, Renoir'ın dünyanın dört bir yanından yedi büyük formatlı eserini bir araya getirmesi ve aynı zamanda bu başyapıtların her birinin önünde öğretici eklemeler bulunan yarım daire biçimli arka banklarla bunları mimari açıdan öne çıkarması nedeniyle özellikle değerlidir.

Musée d'Orsay, bundan tam 150 yıl önce yapılmış olan ve restorasyon sonrasında parlak mavi tonlarında parıldayan “Moulin de la Galette'de Balo” tablosuna katkıda bulunuyor. Stockholm'den “Anthony Ana Tavernası” ve “La Grenouillère”, Los Angeles'tan “Yürüyüş”, Washington'dan, Veronese'nin “Cana'da Düğün”ünün bir güncellemesi olarak gördüğü, kendinden emin bir şekilde bestelenmiş “Kürekçilerin Kahvaltısı”, Boston'dan “Bougival'de Dans” ve Londra'dan “Şemsiyeler” geliyor.

Sadece dünyaca ünlü bu haklı resimlerde bile, Renoir'ın dokunulmaz büyüklüğü kendini gösteriyor; renkler birlikte aktığında hızla birleşen ve uzaktan daha sakin görünen son derece renkli, canlı fırça darbeleri. Ancak canlı gelişmişlik hala korunuyor. Tıpkı birkaç otoportresinde olduğu gibi: Serginin başında üçü yer alıyor; bu portrelerin eleştirel, analitik tavrı, bu ressamca öz-soruların ana hatlarını çiziyor ve karakterize ediyor.

Gösteride, sağlıklı öz-sevgi, genel olarak sevgiyi – hayata, kadınlara, çiftlere, arkadaşlara, çocuklara, sıradan insanların sosyal eğlencelerine karşı – bir duygu ve tutum olarak tamamlıyor; her şeyden önce, modernliğin tarihsel görüntüleri olarak büyük panoramalar, benzersiz ve orijinal bir şekilde yakalıyor. Paris'in banliyölerinde Seine nehrinde ya da Montmartre'ın dans pistlerinde yapılan bu hafta sonu eğlenceleri sırasında insanlar konuştu, ağ kurdu, eğlendi ve flört etti. Burada titizlikle sıralanan sanatçıların, soyluların, burjuvaların ve bazen de rüşvetçi bohemlerin renkli karışımı bunu gösteriyor. Bir yaz gününde görünüşte kendiliğinden oluşan renk hücumunda sosyal farklılıklar ağırlıksız bir şekilde ortadan kaldırılıyor.

Ancak Watteau'nun Rokoko döneminden kalma “Fêtes galantes” terimi, yüz yıl sonra bile Renoir'da aşık çiftlerin varlığını ve ortaya çıkışını anlatmak için bilinçli olarak kullanıldığında, bu “mutluluk” ressamının büyük şehir ve taşra yaşamının yalnızca güzel taraflarını göstermek için başvurduğu bir tür kaçış da vardır. Absinthe enkazları, sanayiciliğin iş akışı nedeniyle zayıflamış işçi bedenleri, bariz fahişeler, işsizler ve dışlanmış gruplar bu kendi kendine yeten görüntülerde sürekli olarak görünmüyor.

O zamanlar koleksiyoncular, kendi radikal şıklıklarının bir işareti olarak Degas, Toulouse-Lautrec veya Manet'nin daha sert, cilasız eserlerini satın almayı tercih ederken, çok sayıda fotoğrafın gösterdiği gibi, zarif bir şekilde gurur duyan portreci Renoir'ın geçimini finanse ediyorlardı. Ancak bu onun yeteneklerini burada bir kenara bıraktığı anlamına gelmiyor.

Bir insan ressam olarak ne kadar denediği, daralttığı ve hatta deneyler yaptığı, Bonnard ve Picasso'nun hayranlık duyduğu ve kendisinin nadiren kamuoyuna açıklanmasına izin verdiği ve çok azının bilindiği, hassas, değerli, çoğunlukla bir kenara atılan Renoir çizimlerinin sonuçlarından anlaşılıyor. Çoğu zaman 1880'den sonra yaratılan ve selefleri Greuze veya Boucher gibi kırmızı tebeşir tekniğini kullanan bu çalışma bütününde, hakim olan yumuşak renk uzmanı değil, çizgileri hassas bir şekilde ayarlayan kişidir. Bağımsız bir ifade aracı olarak figür, mekan ve hareket arasındaki ilişki doğaçlamadan ziyade bilinçli olarak netleştirilmiştir.

Neşeli görünen, hayatı vurgulu bir şekilde kutlayan ama aynı zamanda onu büyük bir hassasiyetle kronik bir şekilde tasvir eden büyük sanat: Sıcaklık, uyanıklık ve gerçeğin bu çelişkisinde, en iyi Renoir resimleri kendi zamanlarının aşamaları olarak çiçek açar.

19 Temmuz'a kadar “Renoir ve Sevgi”; “Renoir Çizimleri”, 5 Temmuz 2026'ya kadar, Musée d'Orsay, Paris