Whitney Museum of American Art Bienali'nden nefret etmek, 1970'lerin başından beri bir sanat sporu oldu ve eğer bu işe karışmazsanız kendinizi sahtekar gibi hissedebilirsiniz. Sanat dünyasının hâlâ küçük ve Manhattan'la sınırlı olduğu zamanlarda, Bienale yönelik eleştiri içeriden birinin oyunuydu: Neden bu sanatçı değil de bu sanatçı seçildi? Neden aynı birkaç galeride sergi yasağı var?
1990'larda “çokkültürlülük” olarak adlandırılan şeyin yükselişiyle şikayetler devam etti ancak odak noktası değişmeye başladı. Bazı çevreler Bienali -haklı olarak- fazla beyaz, fazla erkeksi, piyasaya fazla bağlı olmakla ve aynı adı taşıyan kurum gibi “Amerika”nın çok dar bir versiyonunu temsil etmekle suçladı.
Yavaş yavaş, bu sorunlardan bazıları bir dereceye kadar düzeltildi; bu gelişme, ciddi bir direnişe de yol açtı. (Bu yılki edisyondaki 56 sanatçı, ikili ve kolektiften katılımcıların yarıdan fazlasının kendilerini kadın olarak tanımladığını ve büyük bir kısmının tarihsel olarak ABD müdahalesi veya işgalinden etkilenen ülkelerde doğduğunu hatırlatmak isteriz: Afganistan, Irak, Japonya, Filipinler, Vietnam ve şimdi de İran.)
Sonuç, ne yıldız oluşumuna yönelik bir vitrin ne de hedefe yönelik bir siyasi beyan olan bir bienaldir. Bu daha geniş ve daha gevşek bir şey; dünyanın dört bir yanındaki pek çok kişi arasında büyük bir kurumsal grup sergisi ve hayal gücü kuvvetli küratörlerin elinde ne hemen reddedilmeyi ne de kolayca kabul edilmeyi garanti eden bir sergi.
2026 Whitney Bienali'nin iki yaratıcı küratörü var: Marcela Guerrero ve Drew Sawyer, ikisi de müze çalışanı. Kapsamlı bir teması olmayan, ancak günümüzün kültürel havasında her yerde mevcut olan güçlere göndermelerle işaretlenmiş, seyrek ama yapılandırılmış bir gösteri ürettiler: iklim felaketi, sınır polisliği, teknolojik hakimiyet ve bu korkuların ürettiği ahlaki korkular ve ölümcül gerçeklikler.
Ve bu unsurları basit bir biçimsel cihazla birleştiriyor: sergilenen sanat eserinin ürettiği seslerden, müzikten, karasal titreşimlerden ve elektronik plink'lerden ve dronlardan oluşan bir tür atmosferik, yere nüfuz eden ses banyosu. Sen duymak Sanat eserlerinin çoğu müzenin beşinci ve altıncı katlarında yer alıyor; burada serginin büyük bir kısmı siz onu görmeden önce yer alıyor ve siz oradayken asla hiçbir eseri arkanızda bırakmıyorsunuz.
Gösteride görsellik yok ama görselliğin olduğu yerde güçlü. Amerikan bayraklarının, gazete sayfalarının ve çöplerin siklonik dönen görüntüleri galeri tavanına yansıtılan Michelle Lopez'in “Pandemonium” adlı altıncı kattaki kara kutu video enstalasyonu, ABD'nin bu yıldönümü yılının serbest bırakılan psişik metabolizmasını yakalıyor.
Beşinci katta, New Yorklu usta şakacı aktivist Pat Oleszko'nun alevli bir trompet çalan Brobdingnagian palyaço kafasına benzeyen şişirilebilir bir heykeli var. 1995'ten kalma ama şimdiki Kral Yok protestosuna benziyor. (Bir Oleszko anketi şurada görülebilir: Heykel Merkezi Long Island City, Queens'te 27 Nisan'a kadar.)
Ve Zach Blas'ın Whitney'in lobi galerisindeki “CULTUS” adlı yerleştirmesinde, Silikon Vadisi sponsorluğundaki dindarlığa sürükleyici bir bakış sunan ve Büyük OZ'nin yapay zeka animasyonlu bir versiyonunun bizi baştan çıkarıcı büyüsü altına çekmeye çalıştığı “CULTUS” adlı yerleştirmesinde farklı bir canavarlık bulunabilir. Yapay zeka ile ilgili ikinci bir makale, Cooper Jacoby tarafından yazılan bu eser, farklı bir şekilde korkutucu: Kalan sosyal medya gönderilerini inceleyerek ölüleri diriltiyor ve onların yeni kişisel hikayeler icat etmelerine olanak tanıyor.
Ancak genel olarak bu bienal fütürist ve insan sonrası bir yöne gitmiyor. Odak noktası, şimdiki zamanın kırılganlıkları ve şimdiki zamanın geçmişe doğru aralıksız hareketidir.
Geçmiş ve gelecek, New York ve Filistin'de yaşayan ve çalışan sanatçılar Basel Abbas ve Ruanne Abou-Rahme'nin “Ateş Oluncaya ve Bizi Ateşleyene Kadar” başlıklı üç kanallı parlak videosunda birleşiyor. 2023 yılında başlandı ve halen devam eden bir çalışmadır. Geleneksel yerel festivallerin eski görüntülerini, daha yakın zamanda çekilen diğerleriyle ve Abou-Rahme'nin babasının 1970'lerde ve 1980'lerde Kudüs'te yaptığı çizimlerin görüntülerini, bugün Filistin'de yetişen diğer yabani bitkilerle birleştiriyor.
Serginin her yerinde bitki yaşamına göndermeler var. Buket benzeri kolajlar halinde geliyorlar Enzo Camacho ve Ami Lien (diğer pek çok şeyin yanı sıra) kurutulmuş şeker kamışı, deniz yosunu ve çuha çiçeği yapraklarından yapılmıştır; deve dikeni ve ayçiçeği şeklindeki seramik kaplarda Erin Jane Nelson iğne deliği kamerası görevi gören; 2011 yılında 47 yaşında ölen ve eserlerini Smithsonian'a miras bırakan Kızılderili sanatçı Kimowan Metchewais'in çiçek resimlerinde Amerikan Kızılderilileri Ulusal Müzesi bir tür kendini hatırlama olarak
Tüm doğanın bilince sahip olduğu fikri burada havada. Bir fiber heykel Malcolm Tavuskuşu Devasa bir sekoya ağacı gövdesi şeklindeki bu resim, sanatçının ailesi ve arkadaşlarıyla yaptığı konuşmaların kayıtlarına yerleştirilmiş. Başka bir sanatçı, Kül Arder, Tohum büyümesini teşvik etmek için ses kayıtlarını galerideki bir ekim yatağına gömdüm.
Katalog röportajında Arder, bahçeciliğin kendisi için topluluğun sembolü olduğunu söyledi. Bu bienalin odak noktası olan topluluk kavramı da burada birçok biçime bürünüyor. Abbas ve Abou-Rahme'nin eserlerinde bu, savaş halindeki bir ülkenin tamamının nüfusu anlamına gelir; ve memleketi Manila'daki düzinelerce radyo istasyonunu 1974 Yeni Yıl Günü'nde eşzamanlı olarak bir müzik parçası yayınlamaya ikna eden Filipinli besteci José Maceda'nın (1917-2004) ses projesinde tek bir şehir. (Bunu sanatçı Aki Onda tarafından düzenlenen taşınabilir radyolardan oluşan bir koro aracılığıyla duyabilirsiniz.)
Topluluk, New Yorklu sanatçıların yemyeşil topluluklarında seyahat eden yoldaşlardan oluşan bir topluluk anlamına gelir Agosto Machado1960'lı, 70'li ve 80'li yıllarda Manhattan'da artık neredeyse yok olan yaratıcı karşı kültürün yaşamını ve zamanlarını belgelemek için yüzlerce istiflenmiş ve değerli nesneyi kullananlar.
Topluluk aynı zamanda aile anlamına da gelir: Porto Riko doğumlu sanatçı Carmen de Monteflores'in canlı, renkli figüratif tablolarından oluşan sergide ebeveyn ve çocuk, çağdaş kavramsal sanatçı kızı tarafından 2024'te yapılan uyuyan küçük çocukların elle şekillendirilmiş balmumu heykelleriyle eşleştirildi. Andrea Fraser.
Aile, Los Angeles merkezli sanatçının 2024 yapımı filmi “Songbook”ta olduğu gibi zaman ve mekânı genişletebilir. Mariah GarnettHayatının yarısını geçirdiği Mısır'da 1960 yılında ölen büyük büyük teyzesi Ruth Lynda Deyo tarafından yazılan “Yıldızların Diadem'i” adlı operanın ilk performansının organizasyonunu belgeliyor.
Ve bu, iki sanatçının biçimsel olarak farklı ama nispeten seçkin eserlerinde tüm türlere yayılıyor. Yasemin Sian Ve Emilie Louise GossiauxHer ikisi de değerli insan olmayan yoldaşlara saygı duruşunda bulunan Sian'ın, atılmış hassas kağıtlardan kesilmiş karmaşık bir şekilde çizilmiş manzaralarında Fennel adında bir papağan ve Gossiaux'nun seramik yapıları ve tükenmez kalem çizimlerinde London adında bir rehber köpek.
Sonuçta, yaratıcı bağlantıya övgü neredeyse anıtsal bir biçime bürünüyor Oswaldo Maciás “Böceklere Ağıt” Rönesans azizleri kadar görkemli görünen yüksek çekirge ve güve resimlerine cıvıl cıvıl, uğultu ve cam kırılma seslerinin eşlik ettiği şapel benzeri bir enstalasyon.
Sergide Oleszko'nun heykellerinin yanı sıra Kelly Akashi'nin heykelleri de dahil olmak üzere etkileyici boyutlardaki bir dizi nesne yer alıyor. Nani Chacon, Kuzgun Hilal Ve Anna Tsouhlarakis. Ancak buradakilerin çoğu mütevazı boyutta, kişisel bir his veriyor ve bir tür el işi ağırlıklı DIY havası var.
Bu durum tek parça için geçerlidir Değerli Okoyomon: Duvarda asılı bir bez bebek. 25 Mart'tan itibaren, doldurulmuş kuş kanatlarıyla donatılmış ve tuzaklardan sarkan bu tür yaratıklardan oluşan bir sürü, “Her Şey Seni Öldürmek İstiyor ve Korkmalısın” başlığı altında müzenin sekizinci katına inecek.
Protesto sanatı olarak tasarlanan bazı nesneler yalnızca birkaç santimetre yüksekliğindedir; bunlara kapı durdurucuları da dahildir. Kainoa Gruspe sanatçının Hawaii'deki mülklerden topladığı taş, ahşap ve çimento parçalarından yapılmış olup, “şu anda askeri üsler, golf sahaları ve otel tatil köyleri de dahil olmak üzere sömürüye ve emperyalist tahakküme katkıda bulunmuş veya halen sürdürmekte olan kişiler tarafından işgal edilmektedir.”
Filistinli sanatçı örneğinde olduğu gibi, bazı dijital çalışmalar bile küçük/mahrem/çalışma modeline uymaktadır. Samia Halaby. 1980'lerdeki “kinetik resimler” serisi, ilk olarak sanatçı tarafından, kendi kendine öğrettiği kişisel bir bilgisayarda programlanmıştı; bu dönemde, yeni gelişen dijital teknolojinin, sanatı müze duvarlarının ötesine ve dünyaya taşıyacak bir araç olarak büyük popülist potansiyele sahip olduğu bir dönemde.
Şu anda 89 yaşında olan Halaby, zekice bir katalog röportajında ”İyimserlik benim takip ettiğim bayraktır” diyor. Şu anda yıpranmış ve ulaşılamaz gibi görünen bir pankart. Maddi olarak ekonomik, ideolojik olarak azarlamayan, kavramsal olarak bazen gizemli olan bu bienal, iyimserliği ne teşvik ediyor ne de azaltıyor. Ancak buna erişimin her büyüklükte, türden ve inançtan sevgi dolu topluluklarda mümkün olduğunu öne sürüyor.
Whitney Bienali 2026
7 Mart'a kadar üyelere ve Pazar günü halka açık olan Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort Street, (212) 570-3600; whitney.org.
Bir yanıt yazın