New York'un bir zamanlar hayranlık duyduğu pek çok simge yapı gibi, Büyük Merkez Sarayı da onlarca yıl önce ortadan kayboldu; ancak bir zamanlar kartpostal değerinde olmasına rağmen – Büyük Merkez Terminali'nin kuzeyindeki bir bloğu dolduran neoklasik ihtişamın 13 katı. Bir rapora göre, Amerikan ticaret fuarlarının yükselişi için inşa edilen bina, 1911'de “dünyanın en büyük ve en güzel sergi binası” olarak açıldı ve havacılık, inşaat ve köpeklerle ilgili kapsamlı sergilere ev sahipliği yaptı.
Ve Nisan 1917'de burada diğerlerinden farklı bir fuar daha gerçekleşti: Müstakil Ressamlar Cemiyeti'nin ilk yıllık sergisi olan bir sanat fuarı. 1.300 sanatçının 2.400 eseri arasında Titanik anıtı, sevimli bir güneş saati ve Picasso'nun en soyut kübizmi yer alıyor.
Ancak belki de en önemli şey, neredeyse hiç hatırlanmayan şey olabilir: “Asma Komitesi” başkanı Marcel Duchamp adında birinin tuhaf fikirlerine göre inşa edilmiş olması. Amerika'nın en ünlü modern sanatçısıydı. Onun kübisti “Merdivenlerden İnme Hareketi” dört yıl önce New York gezisi sırasında bir skandala neden olmuştu. Ve bugün, 20. yüzyıl ve sonrasının en sofistike ve entellektüel sanatlarından bazılarının vaftiz babası kadar ünlüdür.
Ama belki de binanın açılışından 115 yıl sonra en derinlemesine düşünmemiz gereken, Saraydaki Bağımsız adlı çok özel yerleştirmesidir. Sarayın sadece yarım düzine blok kuzeyinde yer alan önemli bir yerde gerçekleşen başka bir geniş kapsamlı gösteriyi anlamamıza yardımcı olmalı.
Modern Sanat Müzesi Pazar günü açılıyorMarcel Duchamp“, Fransa doğumlu yalnız adam hakkında bir araştırma. Gündelik nesneleri (bir kar küreği, bir şişe tutucusu, bir bisiklet tekerleği) aldı ve bunları “hazır nesneler” olarak adlandırdığı sanat eserleri olarak sergiledi ve sonuçta savaş sonrası sanatına kavramsal bir doku ördü.
MoMA'dan Ann Temkin ve Michelle Kuo ile birlikte serginin küratörlüğünü yapan Matthew Affron, bugünün sanatseverlerinin bile muhtemelen bunu “karmaşık, ilginç, büyüleyici ve zor” bulacağını söyledi. (Anket New York'a, Affron'un ana üssü olan Philadelphia Sanat Müzesi'ne gidiyor.)
Bu, Duchamp'ın 81 yaşında ölümünden beş yıl sonra, 1973'teki MoMA'dan bu yana Amerika Birleşik Devletleri'ndeki ilk retrospektif sergisi. Sergide, yetmiş yıllık sanat yaratımını kapsayan, resimler, hazır nesneler ve filmler de dahil olmak üzere 300'den fazla nesne yer alıyor.
Duchamp'ın en bilinen ve tartışmasız en önemli eseri, kendisinin ve bazı arkadaşlarının Independent sergisine “Fountain” adlı bir heykel olarak sundukları ve ön kısmına “R. Mutt” takma adının karalandığı, mağazadan satın alınan pisuardır. Bu jest büyük ölçüde fark edilmedi ve heykelin kendisi, fazla bir etki yaratmadan ortadan kayboldu. Ancak Duchamp'ın ünü arttıkça “Fountain”ın dört yeniden yapımıyla karşılık verdi ve bunların tamamı yeni ankete dahil edildi.
“Çeşme”, bir kişi tarafından tüm modern sanat eserleri arasında en etkili olanı olarak oylandı 21. Yüzyıl Sanatçıları ve Uzmanları Araştırması. Ben de dahil olmak üzere birçoğu bunu “sanat karşıtı” olarak görüyordu. Ancak Büyük Merkez Saray'da yapılan yeni araştırma bana, heykelin kendisinden önce gelen tüm Batı sanat eserlerine saygı duruşunda bulunduğu ve onu sanat olarak kabul eden şeyin ne olduğunu görmemize yardımcı olduğu hissini verdi.
1916 KASIMINDA, BEŞ AY ÖNCE Duchamp pisuarını Manhattan'daki bir su tesisatı tedarikçisinden satın aldı; Saray, süt karıştırıcısından en iyi Brüksel lahanalarına kadar her şeyin yer aldığı Ulusal Otel Erkekler Fuarı'na ev sahipliği yapmıştı ve ayrıca, görünüşe bakılırsa dünyanın Duchamp bilim adamlarının hiç fark etmediği, en yeni porselen donanımlara sahip örnek bir banyo. Bir incelemede şöyle yazıyor: “İlgilenen pek çok otelci, neden gömme küvetin oteller için en iyisi olduğunu, neden tüm armatürlerin gizlenmesi gerektiğini ve otel su dolaplarında neden yıkama vanaları olması gerektiğini öğrenmek için uğradı.”
O kasım ayında saraya bir başkasının daha uğradığını varsaymak yanlış olmaz: Duchamp. Burayı, daha sonra kendi banyo armatürünü sergilemeyi planladığı, yaklaşan sanat sergisi için bir mekan olarak değerlendirmeliydi.
Ancak gösteri açıldığında, basının tüm dikkatini çeken şey, girişleri 1.300 yaratıcının isimlerine göre alfabetik olarak sıralaması şeklindeki alışılmışın dışında bir yöntem oldu. Pisuar sadece birkaç santimetreyi hak ediyordu.
New York Ashcan Okulu Dekanı Robert Henri, sergiyi “felaket bir karmaşa” olarak nitelendirdi ve kendi çalışmasını sergiden çekti.
Henri'nin, 6 dolar ödeyen herkesin sergiye herhangi bir eser göndermesine izin verilmesine üzüldüğü düşünülebilir. Bunu umursamadığını ve bunu “özgür bir ülkenin sahip olması gerektiği gibi açık bir forum” olarak övdüğünü söyledi.
Kalbini kıran şey, Duchamp'ın alfabetik organizasyonuydu; bu, A isimli sanatçıların bir yerde, B isimlerinin başka bir yerde vb. toplanması anlamına geliyordu; yalnızca komşu çalışmaları birbirine bağlayan yazım kuralları vardı ve hiçbir gerçek sanatsal kriter yoktu. “Görüntülerin sunumunda düzen ve ilişkiler aranması gerekmez mi?” Henri inledi. “Beethoven'ın Yedinci Senfonisi'nin ardından fokstrotun çalındığı bir müzik programıyla ilgilenmezdik, hardalın, dondurmanın, turşunun, böreğin arka arkaya yenilmesi de mümkün olmazdı.”
Bu kaotik organizasyon ilkesi, geçen sonbaharda Büyük Merkez Saray'daki kitlelerde yaygın bir uygulamaydı. Hotel Men's Expo'da bir otelcinin ilgisini çekebilecek her şey yer alırken, Electrical Exposition'da bir “otomatik fırın” ve nüfus sayımı kartı sayacı bulunuyordu. Palace'ın otomobillerle ilgili daha önceki bir sergisinin eleştirmeni, otomobil ve kamyon karmakarışıklığının herhangi bir “sınıflandırma çabası” içermediğinden şikayet etti.
Duchamp'ın sergisi alfabetik hareketiyle ziyaretçilere bir çanta dolusu nesne gibi görünecekti. Tek ortak paydaları, tıpkı Saray'daki makineler, sebzeler ve tuvaletlerin yalnızca “otel eşyaları” çatısı altında toplanması gibi, sözde “sanat sergisi”ne katılmalarıydı.
DUCHAMP'ın bir şeyler çözdüğünü düşünüyorum Son 400 yıldır Batı kültürünün özü, bir nesnenin güzelliği, konusu ya da boyutu nedeniyle değil, bizden onu kullanmamızı istediği şekilde “sanat” olarak kabul edilmesi olmuştur. Bir nesne sanat işlevi gördüğünde, Berkeley'deki Kaliforniya Üniversitesi'nden filozof Alva Noë'nin ifadesiyle, izleyicilerini “daha yakından bakmaya, daha uzun süre bakmaya, sorular sormaya, sorgulamaya ve ondan bir şeyler çıkarmaya” davet eder.
Ve Duchamp sayesinde alfabetik bağımsızda hüküm süren model buydu. “C” altında gruplandırılan karmakarışık yaratımları birleştiren tek şey, Blendon Campbell'ın iki neşeli perisinin görüntüleri; Elizabeth Curtis'in yazdığı gururlu bir Kara Ayaklı adam; Jean Crotti'nin telgrafla çizdiği Duchamp'ın profilinin en önemli özelliği, sanat olarak hepimizi onlarla gerçekte ne yapmamız gerektiği konusunda düşünmeye ve sonra tekrar düşünmeye sevk etmeleridir.
Duchamp, “sanatın” belirli nesne türlerini seçen bir isim olarak değil, bir fiil olarak düşünülmesi gerektiğini anlamamıza yardımcı oluyor: Biz kesinlikle herhangi bir nesneyi “sanatlıyoruz”, onu düşünceleri ve konuşmaları tetiklemek için kullanıyoruz.
Mona Lisa erken bir örnektir. 1503 civarında Floransa'da bir tüccar çiftin evlilik hayatını hatırlatmak için yaptırılan ortak bir ev eşyası olarak başladı. Ancak Leonardo, bu işlevsel nesneyi müşterilerine vermek yerine onu sakladı ve onun geniş çapta kopyalandığını ve şimdi “sanat” dediğimiz yeni şeyin nihai örneği olarak Fransa Kralı tarafından toplandığını görecek kadar yaşadı. Bugüne kadar bunun ne anlama gelebileceği konusunda durmadan kafa yoruyoruz; Lisa del Giocondo'yu hatırlamayı uzun zaman önce bıraktık.
Duchamp, nesnelerin en beklenmedik, hatta şok edici olanını -pisuvarı- “sanatsal olarak tasarladığında” bu fiilin gücünü kutladı.
Ancak Independent'ın açıldığı gün “Çeşme” tartışmaya açık değildi: fuar yöneticilerinin bir entrikasıyla sergide yer alması yasaklanmıştı. “Çeşme” dediler, “yerinde çok faydalı bir obje olabilir ama yeri bir sanat sergisi değil ve kesinlikle bir sanat eseri değil.” Duchamp yönetim kurulundan istifa etti ve sonraki haftalarda heykel ortadan kayboldu, ancak gelecek kuşaklar tarafından Duchamp'ın Alfred Stieglitz'e çektirdiği bir fotoğraf aracılığıyla tanındı.
Bazı sanatçılar ve tarihçiler, bir anti-sanatçı olarak Duchamp'ın eserinin reddedilmesi durumunda mutlu olacağı konusunda ısrar etti; bunun, yönetmen arkadaşlarının her türlü sanata açık oldukları yönündeki iddialarını test eden bir şakadan başka bir şey olmadığı konusunda ısrar ettiler.
Peki ama bir zamanlar “Ben sanatçıdan başka bir şey değilim, bundan eminim ve öyle olduğum için mutluyum” diyen birine, sanattan daha fazlasını elde etmek yerine gerçekten sanatla şakalaşan biri diyebilir miyiz? Pisuarını, ünlü bir yönetim kurulu üyesinin adını taşıdığı için değil, kendi şartlarına göre kabul edilmesini istediği için takma adla sundu.
MoMA gösterisi kapsamında ilk kez yayınlanan kayıtlarda Duchamp, “Çeşme”nin hiçbir zaman bir tür “devrimci jest” olarak anlaşılmasını istemediğini söyledi. Duchamp'ın Independent enstalasyonunun tamamının temel taşı olarak “Çeşme”nin, bizi herhangi bir şeyi kullanmaya yönlendiren asırlık bir geleneği kutladığını söyleyebilirim: bir evlilik portresi, dua eden bir “Aziz Francis”, hatta sonunda bir pisuar – sanatın imza niteliğindeki konuşmalarını teşvik etmek.
1917'de “Çeşme”yi gören bir avuç Duchamp hayranı, onu aslında normal sanat sohbetleri için “kullandı”: Budaları ve Meryem Ana'yı anımsatan neredeyse ruhani bir güzelliğin örneği olarak; modern Amerikan kültürünün bir sembolü olarak; sade estetiğin simgesi olarak.
Geçen yıl, mağazadan alınan bir kürek—“Kırık koldan önce,, MoMA'nın anketinde Duchamp'ın basına çıkan ilk “hazır nesnesi” olan stüdyo meslektaşı Crotti, bunu “şimdiye kadar gördüğüm en güzel nesne” olarak tanımladı.
Duchamp'ın sözde kuru kavramsal sanatı bugüne kadar hala bu tür etkilere sahip olabiliyor. Washington'daki evinde özel mülkiyete ait en büyük Duchamp hazinelerinden birini barındıran Barbara Levine, “Buna tamamen bağlıyım ve bundan heyecan duyuyorum; bunun sanat karşıtı olduğunu düşünmüyorum” dedi. (2018 yılında kendisi ve merhum kocası Aaron bu eserleri Smithsonian Hirshhorn Müzesi'ne bağışladılar.) Levine bana Duchamp'larındaki güzelliği, sahip olduğu Andy Warhol veya Anish Kapoor'un eserlerindeki güzellikten farklı bulmadığını söyledi.
Başlangıçta Duchamp, Independent'ın entrikalarının Fountain'ın ilgi çekmesini engelleyeceğine inanabilirdi. Ama ne mutlu ki, Stieglitz'in fotoğrafında ve Duchamp'ın daha sonra ürettiği “Çeşme”nin dört versiyonunda bile sanatı bizi sonsuzca “sanat”a taşıyacak güce sahip.
Damien Hirst'ün bana söylediği gibi: “Pisuvar en serseri ve büyük iştir. [expletive] Her şeye uyuyor ama yine de bu bir kutlama.”
Bir yanıt yazın